p.012
Pablo Uribe
The Coleridge Collection
12—2023
The Coleridge Collection explora las diversas relaciones y modalidades que hacen a la práctica del arte en su contexto, y es un estudio de los vínculos entre sujetos y objetos, sus historias sean reales o ficticias. Estas puestas en escena, reelaboraciones o montajes buscan invadir el dominio sensible de los espectadores para operar cambios intencionales en su memoria e imaginación. Uribe contribuye a la (re)invención de nuestras identidades y formas de pertenecer a este (su) lugar en el mundo.
Curaduría: Martín Craciun
X
p.012
Pablo Uribe
The Coleridge Collection
12—2023
The Coleridge Collection explores the diverse relationships and modalities that comprise art practice in its context, and it is a study of the ties between subjects and objects, whether their stories are real or fictional. These stagings, re-elaborations or montages look to invade viewers’ sensory domain in order to put intentional changes into operation in their memories and imagination. Uribe contributes to (re)inventing our identities and ways of belonging to this (his) place in the world.
Curator: Martín Craciun
X
p.011
Florencia Sadir
No es el infinito del mar, sino la profundidad del río
10—2023
El nuevo proyecto de Florencia Sadir toma como punto de partida los significados y la memoria del agua, un recurso permanentemente amenazado por los efectos de la contaminación, la privatización de los territorios indígenas, la voracidad de las industrias extractivas y el cambio climático debido al uso de combustibles fósiles.
Esta exposición es un testimonio de historias afectivas y circunstancias geográficas que se activan para subrayar la fragilidad del ecosistema del agua terrestre. La escasez del agua dulce es un fenómeno natural pero es también consecuencia de la acción humana. Estas obras nos lo recuerdan.
Curaduría: Miguel A. López
Catálogo
Texto [PDF] Obras / No es el infinito del mar, sino la profundidad del río [PDF] Exhibición / Publicación [PDF]X
p.011
Florencia Sadir
No es el infinito del mar, sino la profundidad del río
10—2023
Florencia Sadir’s most recent project takes the meanings and memory of water as its point of departure, as a resource under continual threat from contamination and its effects, the privatization of indigenous territory, the voracity of extractive industries and climate change due to the use of fossil fuels.
This exhibition is a testimony to stories that hinge on emotional ties and geographic circumstances that are activated to underscore the fragility of the earth’s water ecosystem. The scarcity of fresh water is a natural phenomenon, but it is also a consequence of human actions. These works remind us of that.
Curator: Miguel A. López
Catalogue
Text [PDF] Works / No es el infinito del mar, sino la profundidad del río [PDF] Exhibition / Exhibition [PDF]X
p.010
Cabella, Parodi & Torterolo
La forma de las cosas
07—2023
[...] "La Forma de las Cosas", una exhibición de Rafael Cabella (Montevideo, 1932-1992), José Luís Parodi (Montevideo, 1962) y Natalia Torterolo (San José, 1988). La muestra vincula el trabajo de tres artistas uruguayos de distintas generaciones a través de la pintura y su posibilidad de aprehender el mundo... Eludir la idea del buen arte, erudito, trae consigo la libertad para hacer y ser lo que se quiera. Pintar como método para relacionarse con el mundo, sin más que eso. Tal como sostenía Tina Turner “we don't need another hero”.
Curaduría: Martín Craciun
X
p.010
Cabella, Parodi & Torterolo
La forma de las cosas
07—2023
[...] "La Forma de las Cosas" [The Shape of Things], an exhibition by —Rafael Cabella (Montevideo, 1932-1992), José Luís Parodi (Montevideo, 1962) y Natalia Torterolo (San José, 1988). The show connects the work of three Uruguayan artists from different generations through painting and its ability to grasp the world... By evading the notion of good, erudite art, they embrace the freedom to do and be whatever they desire. Painting becomes a method of relating to the world, nothing more than that. As Tina Turner famously said, "We don't need another hero."
Curated by Martín Craciun
X
p.09
Eduardo Basualdo
Precuela
02—2023
[...] Fundadas en la naturaleza de la representación, las obras de Precuela abrazan poéticas y ensayan ideas sobre cuestiones que emergen y aparecen de forma recurrente. Son formas germinales, en estado de latencia que condensan su potencia narrativa como formas embrionarias. Un mundo de entes y seres conforma una máquina simbólica en funcionamiento en el momento anterior a la formación de un cuerpo. Perseguir la pregunta sea quizás una estrategia pertinente para abrazar este universo.
Curaduría: Martín Craciun
X
p.09
Eduardo Basualdo
Precuela
02—2023
[...] Based on the nature of representation, these works embrace poetics and try out ideas regarding questions that emerge and appear repeatedly. They are germinal forms, in a state of latency that condenses their narrative potential as if in an embryonic state. This world of entities and beings makes up a symbolic machinery, in operation at the moment prior to forming a body.
Pursuing a question may well be a pertinent strategy for embracing this universe.
Curated by Martín Craciun
X
p.08
Carmelo Arden Quin
Fragmentos de misterio
01—2023
Pinturas de la serie Aléatoires de Arden Quin, 1976.
La obra de Carmelo Arden Quin se alojó alternativamente en las artes visuales y en la literatura. En los años 70, y mientras vivía entre Niza y París, comenzó una serie de pinturas sobre papel, deudora de ambas vertientes, a las que llamó "Aléatoires".
"Me gusta crear cosas muy simples. […] Yo creo mucho en los juegos, que son una especie de espejo de la vida, de la lucha. En la vida, hay ataque y defensa. El juego es un conflicto, con el otro, o con uno mismo". —Carmelo Arden Quin, 1988
Texto: María Cristina Rossi
Catálogo
Texto [PDF] Obras / Fragmentos de misterio [PDF] Catálogo/ Fragmentos de misterio [PDF] Exhibición / Publicación [PDF]X
p.08
Carmelo Arden Quin
Fragmentos de misterio
01—2023
Paintings by Arden Quin from the Aléatoires Series, 1976.
Carmelo Arden Quin’s work alternatively resided in the visual arts and in literature. While living between Nice and Paris during the 1970s, he began a series of paintings on paper that draw upon both areas, which he called "Aléatoires" (Random).
"I like to create very simple things. […] I have a great belief in games, which are somehow a mirror of life, of struggle. In life, there is offense and defense. A game is a conflict, with someone else or with yourself". —Carmelo Arden Quin, 1988
Text: María Cristina Rossi
Catalogue
Text [PDF] Works / Fragmentos de misterio [PDF] Catalogue/ Fragmentos de misterio [PDF] Exhibition / Publication [PDF]X
p.07
Ana López
Lecho marino
12—2022
[...] Para Ana el papel es un amor tóxico, como el barro: la relación parte del rechazo, el daño y la resistencia, es una conquista desde el cariño y desde la posibilidad de que las cosas fallen. Hay una propuesta ficticia de conquista, una ficción por denuncia, pero es otra obra en la que no hay historia posible, no hay fechas precisas, sólo una intención de empezar de nuevo. Algunas lecturas hay que hacerlas desvinculando unas cosas de otras. En la obra de Ana el principio de movimiento parte de la obra y afecta a la artista, por eso es un movimiento que desordena y convierte un cuerpo en un archivo político vivo.
Curaduría: Santiago Villanueva
Poema: Marta Dillon
Catálogo
Texto [PDF] Obras / Lecho marino [PDF] Exhibición / Publicación [PDF] Catálogo / Lecho marino [PDF]X
p.07
Ana López
Lecho marino
12—2022
[...] For Ana, paper is a toxic love, much like clay: the relationship begins with rejection, damage and resistance, and the conquest, through caring and with the possibility that things may fail. There is a fictitious proposal of conquest, a fiction by way of denunciation, but it is another work in which no history is possible; there are no precise dates, just an intention to start over again. Some readings must be done by disconnecting some things from others. In Ana’s work, the principle of movement originates in the work and affects the artist, and this is why the movement generates disorder, converting the body into a living political archive.
Curated by Santiago Villanueva
Poem Marta Dillon
Catalogue
Text [PDF] Works / Lecho marino [PDF] Exhibition / Publication [PDF] Catalogue / Lecho marino [PDF]X
p.06
José Luis Landet
Multitud de estados posibles
10—2022
[...] El proceso de creación del conjunto de obras reunidas en el proyecto "Multitud de estados posibles" posee semejanzas con procedimientos de la producción cartográfica, puesto que ambos son actividades de mapeo de los territorios sobre los cuales artista y cartógrafos se centran. Acciones de investigación que, pese a todo, siempre generan representaciones parciales de esos espacios. Si las obras creadas por José Luis Landet, así como mapas dibujados por especialistas, se confundieran con los territorios que buscan retratar, perderían su función de orientar al otro (el visitante de una muestra, un viajero) en el recorrido de un universo complejo. Se volverían redundantes y, por lo tanto, inútiles. Las representaciones del mundo están siempre –por definición– por debajo de lo que es representado. Producir arte y dibujar cartas geopolíticas implica hacer elecciones, dando destaque a ciertos marcos creados o encontrados mientras se recorre e investiga un determinado espacio. Marcos que, cuando mostrados todos juntos (exhibidos en una muestra o impresos en la forma de mapa), generan conocimiento –necesariamente parcial o subjetivo– sobre territorios específicos, producido desde puntos de vista singulares. Los recortes de banderas, sus relecturas en telar, los bastones, las pinturas y los dibujos que el artista reúne y presenta en el espacio de exhibición son los marcos que inventó para entender y orientarse en el mundo en transformación en el que vive.
Curaduría: Moacir dos Anjos
X
p.06
José Luis Landet
Multitud de estados posibles
10—2022
It is argued here that the process of creation for the entire group of works brought together in the Multitud de estados posibles project states bears similarities with cartographic production procedures, in the sense that both are activities of mapping the territories that the artist and mapmakers focus on. However, these are investigative actions that always generate partial representations of these spaces. If the works created by José Luis Landet or the maps elaborated by specialists were to become confused with the territories they seek to portray, they would lose their function as a guide for the other (visitor to an exhibition, traveler) on their journey through a complex universe. They would become redundant and as such, useless. By definition, representations of the world always fall short of what is being represented. To produce art or to draw geopolitical maps implies making decisions, highlighting certain frameworks created or found while traveling through and investigating a determined space. When shown all together, these frameworks (exhibited in an exhibition or printed in the form of a map) generate knowledge—necessarily partial and subjective—about specific territories, produced from unique points of view. The flag fragments, their re-readings by way of the loom, the poles, the paintings and the drawings that the artist brings together and presents in the exhibition space are the frameworks that he has invented in order to comprehend and orient himself in the ever-transforming world in which he lives.
Curated by Moacir dos Anjos
X
p.05
Ulises Beisso
Rara Avis
04—2022
SUBTE, en coproducción con Walden Naturae, presenta Rara Avis, una exposición antológica sobre la obra del artista montevideano Ulises Beisso (1958-1996).
La exposición cuenta con más de cien obras que nunca fueron exhibidas en su conjunto y que, en su mayoría, tampoco fueron exhibidas públicamente. Acompañan documentos, ilustraciones, fotografías (organizadas y catalogadas luego de un largo proceso de investigación), y el documental “La intención del Colibrí”, de Sergio De León. La obra de Ulises Beisso, de un carácter personal, autobiográfico y sensible, propone pensar, en términos identitarios, las disidencias y la diversidad en el contexto cultural montevideano de los ochenta y comienzos de los noventa.
Curaduría: Pablo León de la Barra
SUBTE Intendencia de Montevideo
X
p.05
Ulises Beisso
Rara Avis
04—2022
SUBTE and Walden Naturae present Rara Avis, an anthology exhibition of works by artist Ulises Beisso (1958-1996), from Montevideo, Uruguay.
This exhibition includes over one hundred works that have never been shown as a group before, where the majority of pieces will be on public display for the first time. Accompanying the exhibition are documents, illustrations and photographs (organized and cataloged following a long process of investigation) in addition to the documentary “La intención del Colibrí” (The Hummingbird’s Intentions) by Sergio De León. Ulises Beisso’s work is of a personal, sensitive and autobiographical nature, and it invites thought regarding the dissidences and diversity present in Montevideo´s cultural context during the eighties and early nineties from a perspective of identity.
Curated by Pablo León de la Barra
SUBTE Intendencia de Montevideo
X
p.04
Bado & Delgado
La otra mitad del amor
05—2022
La exposición presenta la obra de dos prolíficos artistas montevideanos articulada en torno a un centro de interés común. La figuración y la representación se colocan en tensión para proponernos pensar el amor en los tiempos que corren. El título actúa como un disparador, para sesgar la mirada y arriesgar conexiones. Un conjunto de obras que capturan la atención y buscan incitar la interacción de los mundos interiores y exteriores, combinando la imaginación con las representaciones sensibles de la realidad mundana. "La otra mitad del amor" hace referencia a las publicaciones "La mitad del amor / La otra mitad del amor", editadas en Uruguay a fines de los años 60, donde un grupo de jóvenes escritores, poetas, críticos y editores con espíritu cosmopolita, –la autodenominada Generación del 45–, ensayaba sobre un tema tan humano como universal. Las obras expuestas están llenas de mimetismo y deseo, procuran establecer desde su materialidad preguntas en un diálogo sensible entre formatos y lenguajes.
No se trata de amor / damos la vida / y me pide y le pido / me vence y lo venzo / y me acaba y lo acabo
Idea Villariño, Poemas de amor
Curaduría: Martín Craciun
X
p.04
Bado & Delgado
La otra mitad del amor
05—2022
The exhibition features two prolific artists from Montevideo, with works articulated in relation to a common interest. Tension between representation and figuration runs throughout this proposition to think of love in current times. The exhibition title—"La otra mitad del amor"—acts as a catalyst, guiding the gaze, risking connections and enabling a shared narrative. The exhibition presents a group of works that capture the eye and look to elicit interaction between the inner realm and the outside world, combining imagination and sensitive representations of mundane reality. Candela Bado shows a selection of ceramic sculptures, while Gonzalo Delgado exhibits his drawings and large format paintings. "La otra mitad del amor" makes reference to a group of publications "Half of Love / The Other Half of Love" [La mitad del amor / La otra mitad del amor] published in Uruguay in the late sixties, when a group of young writers, poets, critics and editors with a cosmopolitan spirit—the self denominated Generation of ‘45—ventured an approach to this theme, as human as it is universal.
The works on display are full of mimicry and desire, where their material aspect effectively manages to raise questions in a simple dialog—of formats and languages—between two contemporary creators.
It isn’t about love / we give life / and he asks me and I ask him / and he conquers me and I conquer him / and he finishes me and I finish him. Idea Villariño, Poemas de amor [Love Poems], 1962
Curated by Martín Craciun
X
p.03
Cristina Schiavi
Esplendor de verano
02—2022
¿Puede cualquier cuerpo aparecer?, se pregunta Judith Butler. ¿Atravesar las normas, la corporalidad permitida?
Durante los primeros tiempos del encierro pandémico, la ausencia de otros cuerpos, me obliga a tener registro del mío. Ya no sirven las líneas de fuga, la resistencia a pensarlo.
El cuerpo como instrumento de dolor, pero también de placer.
Habilitada, quizá, por las luchas feministas y sus cuestionamientos acerca del género, la sexualidad y la racialidad, aparece el impulso de visibilizar cuerpos redondeados, blandos, esponjosos, que se expanden en el paisaje. Una figura de resistencia que se permite el agenciamiento del deseo. Cuerpo fofo, territorializado. Mi cuerpo.
X
p.03
Cristina Schiavi
Esplendor de verano
02—2022
Can any body appear, as Judith Butler asks herself? Can the norms of permitted corporality be cut through?
During the early days of pandemic reclusion, the absence of other bodies obliges me to have some register of my own. Following lines to their vanishing point and resisting thought no longer work.
The body as an instrument of pain, but also of pleasure.
Possibly empowered by the struggles of feminism and their questioning of gender, sexuality and race, the impulse arises to give visibility to soft, rounded, spongy bodies that expand in the landscape. A figure of resistance that allows itself the agency of desire. A flabby, territorialized body. My body.
X
p.02
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
01—2022
A partir del encierro provocado por el virus, Guagnini (1966) desarrolló una serie de dibujos de figuras de perfil emitiendo aire. El virus se tematiza así como discurso, como infección, como elemento estético. Las primeras pinturas de esa serie fueron presentadas por Walden en el OVR de Art Basel en el 2020. El artista llevó a gran formato cuatro de esas figuras, tematizadas como las cuatro estaciones, prefigurando sin saberlo el carácter endémico de la pandemia. Las figuras monumentales, porosas, evocan la metafísica de Roberto Aizenberg, quien fuera mentor y amigo de Guagnini; y las llaves de la modernista uruguaya Maria Freire. A partir de una colaboración con el estudio de Alto Liso, en Guadalajara, México, Guagnini convierte sus pinturas en tapices de extrema sofisticación. El estudio trasladó a mediados del siglo veinte técnicas de gobelino Europeo a la realidad del estado de Jalisco, con su tradición indigena de siglos de textiles. Los colores y matices que no se consiguen comercialmente son logrados tiñendo lanas; los tejedores trabajan en el diseño y su interpretación junto con el artista. El resultado son piezas únicas, de un lujo material y potencia visual que conjugan la metabolización de un evento traumático.
La exhibición se completa con dibujos de la misma serie; y alineándose con el interés del artista por las técnicas artesanales, con tres de sus cerámicas, dos de las cuales fueron recientemente exhibidas en el MALBA de Buenos Aires en el marco de la exhibición “Terapia”, que examinó la influencia del psicoanálisis en el arte argentino.
Catálogo
Texto [PDF] Obras / Las cuatro estaciones [PDF] Exhibición / Publicación [PDF]Prensa
Exhibition, Farces and Tirades, 02—2022, Museum of Contemporary Art of RomeX
p.02
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
01—2022
In response to the confinement imposed by the virus, Guagnini (1966) developed a series of profile view drawings of figures emitting air. The virus is handled as discourse, as infection and as an aesthetic element. Walden presented the first paintings from this series at Art Basel’s OVR in 2020. The artist expanded four of these figures into large format with the theme of the four seasons, inadvertently foreshadowing the pandemic’s endemic nature. The monumental, porous figures evoke the metaphysical work of Roberto Aisenberg, who was Guagnini’s friend and mentor, in addition to keys in Uruguayan modernist Maria Freire’s work. By means of collaboration with the Alto Liso studio in Guadalajara, Mexico, Guagnini converts his paintings into extremely sophisticated tapestries. The studio brought techniques found in Europe at the Manufacture Royale des Gobelins in France into the mid-twentieth century, and into the reality of the state of Jalisco, with centuries of indigenous tradition in textiles. Commercially unavailable colors and shades are achieved by dying the wool; weavers work jointly with the artist on the design and its interpretation. This results in unique pieces, where lavish materials and visual potency engage to metabolize a traumatic event.
Drawings from the same series round out the exhibition, as do three ceramic pieces, in accordance with the artist’s interest in craft techniques. Two of these pieces were recently exhibited in Buenos Aries at MALBA, in the framework of the “Terapia” (Therapy) show, which examined the influence of psychoanalysis in Argentinean Art.
Catalogue
Text [PDF] Works / Las cuatro estaciones [PDF] Exhibition / Publication [PDF]Press
Exhibition, Farces and Tirades, 02—2022, Museum of Contemporary Art of RomeX
p.01
Marcia Schvartz
Rioplatense
12—2021
La mano se sostiene con una torsión de muñeca, apenas parece afirmarse en uno solo de los dedos. El eje vertical del antebrazo flota, más que apoyarse, en el vigoroso muslo. Las piernas tienen cada una su autonomía, como si batallaran para abrirse a un deseo estimulado por la lujuria del rostro y el rojo de las flores: la nariz potente se hunde en la leve fragancia de esas camelias. La cabeza cubierta por un gorro avisa que es el fin del invierno, cuando algunas camelias florecen. Solitaria en los asientos verdes del colectivo, vestida de negro como una viuda de pueblo, lleva la planta con alegría. Como si una lupa se hubiera detenido en algún detalle de la serie de los colectivos de Aída Carballo. La empatía con la vida popular, entre la certeza de la mirada y el humor que bordea el grotesco desde un exacerbado realismo, también presente en la pareja en el bar ensimismada en sus silencios, entre las piernas y los brazos cruzados de uno y otra, ajenos dentro del ambiente casi irreal. En 1976 la pintura de Marcia Schvartz (1955) asume el color como parte estructural de su figuración, antes transitaba una paleta baja con dominio de los negros que perdura luego en las figuras marginales que se aman sin concesiones. El color es, acaso, la respuesta vital a la destrucción.
[...] Roberto Amigo
Catálogo
Texto / Roberto Amigo [PDF] Obras / Rioplatense [PDF]Prensa
Celina Chatruc, 12—2021, La NaciónX
p.01
Marcia Schvartz
Rioplatense
12—2021
The hand is held with a twist of the wrist, barely sustained, it would seem, by a single finger. The vertical axis of the forearm floats, rather than resting on the vigorous thigh. Each leg has its own autonomy, as if one were fighting against the other to open in response to a desire stimulated by the red of the flowers and the lust in the face: the powerful nose is submerged in the camellias’ light fragrance. The hat covering the head indicates that winter has nearly ended, when some camellias bloom. Dressed in black like a village widow, alone on the green seats of the bus, she carries the plant with joy. It’s as if a loupe had been poised to focus on some detail of Aída Carballo’s series on buses. There is an empathy with the lives of common folk that lies between the certainty of the gaze and humor, based on exacerbated realism and bordering on the grotesque. It is also present in the silence of the couple at the bar, lost in thought, between the crossed arms and legs of one and the other, disconnected within surroundings that are almost unreal. In 1976, Marcia Schvartz’s (1955) painting takes on color as a structural part of its figuration; it had previously moved within a lower intensity palette, dominated by blacks that later persisted in marginal figures who love one another without reservations. Color may be a vital response to destruction.
[...] Roberto Amigo
Catalogue
Text / Roberto Amigo [PDF] Works / Rioplatense [PDF]Press
Celina Chatruc, 12—2021, La NaciónX
p.012
Pablo Uribe
The Coleridge Collection
12—2023
The Coleridge Collection explora las diversas relaciones y modalidades que hacen a la práctica del arte en su contexto, y es un estudio de los vínculos entre sujetos y objetos, sus historias sean reales o ficticias. Estas puestas en escena, reelaboraciones o montajes buscan invadir el dominio sensible de los espectadores para operar cambios intencionales en su memoria e imaginación. Uribe contribuye a la (re)invención de nuestras identidades y formas de pertenecer a este (su) lugar en el mundo.
Curaduría: Martín Craciun
X
p.012
Pablo Uribe
The Coleridge Collection
12—2023
The Coleridge Collection explores the diverse relationships and modalities that comprise art practice in its context, and it is a study of the ties between subjects and objects, whether their stories are real or fictional. These stagings, re-elaborations or montages look to invade viewers’ sensory domain in order to put intentional changes into operation in their memories and imagination. Uribe contributes to (re)inventing our identities and ways of belonging to this (his) place in the world.
Curator: Martín Craciun
X
p.011
Florencia Sadir
No es el infinito del mar, sino la profundidad del río
10—2023
El nuevo proyecto de Florencia Sadir toma como punto de partida los significados y la memoria del agua, un recurso permanentemente amenazado por los efectos de la contaminación, la privatización de los territorios indígenas, la voracidad de las industrias extractivas y el cambio climático debido al uso de combustibles fósiles.
Esta exposición es un testimonio de historias afectivas y circunstancias geográficas que se activan para subrayar la fragilidad del ecosistema del agua terrestre. La escasez del agua dulce es un fenómeno natural pero es también consecuencia de la acción humana. Estas obras nos lo recuerdan.
Curaduría: Miguel A. López
Catálogo
Texto [PDF] Obras / No es el infinito del mar, sino la profundidad del río [PDF] Exhibición / Publicación [PDF]X
Florencia Sadir
Flujos costeros, 2023 (Detalle)
Tinta sobre papel de bambú
35 x 137 cm
Florencia Sadir
Tres hermanas: maíz, poroto, zapallo,
2023 (Detalle)
Tinta sobre papel de bambú
35 x 137 cm
Florencia Sadir
Formas de vida en los San Carlos,
2023 (Detalle)
Tinta sobre papel de bambú
35 x 137 cm
Florencia Sadir
No es el infinito del mar,
sino la profundidad del río,
2023 (Boceto)
Florencia Sadir
No es el infinito del mar,
sino la profundidad del río, 2023
Piezas de cerámica grabada.
Cocción de atmósfera reductora
Florencia Sadir
Lluvia negra sobre teja y ladrillo, 2023
Teja y ladrillo grabados, bruñidos.
Cocción de atmósfera reductora
50 x 41 x 10 cm
Florencia Sadir
No es el infinito del mar,
sino la profundidad del río, 2023
p.011
Florencia Sadir
No es el infinito del mar, sino la profundidad del río
10—2023
Florencia Sadir’s most recent project takes the meanings and memory of water as its point of departure, as a resource under continual threat from contamination and its effects, the privatization of indigenous territory, the voracity of extractive industries and climate change due to the use of fossil fuels.
This exhibition is a testimony to stories that hinge on emotional ties and geographic circumstances that are activated to underscore the fragility of the earth’s water ecosystem. The scarcity of fresh water is a natural phenomenon, but it is also a consequence of human actions. These works remind us of that.
Curator: Miguel A. López
Catalogue
Text [PDF] Works / No es el infinito del mar, sino la profundidad del río [PDF] Exhibition / Exhibition [PDF]X
Florencia Sadir
Flujos costeros, 2023 (Detail)
Ink on bamboo paper
13.8 x 53.9 in
Florencia Sadir
Tres hermanas: maíz, poroto, zapallo,
2023 (Detail)
Ink on bamboo paper
13.8 x 53.9 in
Florencia Sadir
Formas de vida en los San Carlos, 2023 (Detail)
Ink on bamboo paper
13.8 x 53.9 in
Florencia Sadir
No es el infinito del mar,
sino la profundidad del río,
2023 (Sketch)
Florencia Sadir
No es el infinito del mar,
sino la profundidad del río, 2023
Engraved ceramic pieces. Reduction firing
Florencia Sadir
Lluvia negra sobre teja y ladrillo, 2023
Engraved tile and brick, burnished.
Reduction firing
19.7 x 16.1 x 3.9 in
Florencia Sadir
No es el infinito del mar,
sino la profundidad del río, 2023
p.010
Cabella, Parodi & Torterolo
La forma de las cosas
07—2023
[...] "La Forma de las Cosas", una exhibición de Rafael Cabella (Montevideo, 1932-1992), José Luís Parodi (Montevideo, 1962) y Natalia Torterolo (San José, 1988). La muestra vincula el trabajo de tres artistas uruguayos de distintas generaciones a través de la pintura y su posibilidad de aprehender el mundo... Eludir la idea del buen arte, erudito, trae consigo la libertad para hacer y ser lo que se quiera. Pintar como método para relacionarse con el mundo, sin más que eso. Tal como sostenía Tina Turner “we don't need another hero”.
Curaduría: Martín Craciun
X
José Luis Parodi
Díptico 4 LC 1 , 2016
Óleo sobre duraboard
60 x 40 cm
Natalia Torterolo
Hábitos, 2020
Pintura plástica sobre lienzo
62 x 54 cm
Rafael Cabella
Sin título, c.1980
Óleo sobre cartón
33.7 x 50 cm
Natalia Torterolo
Teta azul, 2023
Óleo sobre tela
40 x 30 cm
Rafael Cabella
Sin título, 1989
Óleo sobre cartón
51 x 35.5 cm
José Luis Parodi
Díptico 4 LC 2 , 2016
Óleo sobre duraboard
60 x 40 cm
Rafael Cabella
Sin título, 1989
Óleo sobre chapadur
54 x 57.5 cm
Natalia Torterolo
Sin nombre, 2023
Óleo sobre tela
70 x 55 cm
José Luis Parodi
Lumpen con blusa amarilla, 2004
Acrílico sobre tela
60 x 40 cm
Rafael Cabella
Sin título, 1979
Óleo sobre Chapadur
35 x 43.5 cm
Natalia Torterolo
Madre todos me rechazan, 2023
Óleo sobre tela
50 x 40 cm
José Luis Parodi
Lumpen con fondo celeste, 2009
Acrílico sobre tela
60 x 40 cm
Rafael Cabella
Sin título, c.1980
Óleo sobre cartón
45.5 x 37 cm
Natalia Torterolo
Jaula, 2023
Técnica mixta sobre tela
70 x 60 cm
p.010
Cabella, Parodi & Torterolo
La forma de las cosas
07—2023
[...] "La Forma de las Cosas" [The Shape of Things], an exhibition by —Rafael Cabella (Montevideo, 1932-1992), José Luís Parodi (Montevideo, 1962) y Natalia Torterolo (San José, 1988). The show connects the work of three Uruguayan artists from different generations through painting and its ability to grasp the world... By evading the notion of good, erudite art, they embrace the freedom to do and be whatever they desire. Painting becomes a method of relating to the world, nothing more than that. As Tina Turner famously said, "We don't need another hero."
Curated by Martín Craciun
X
José Luis Parodi
Dyptich 4 LC 1 , 2016
Oil on duraboard
23.6 x 15.7 in
Natalia Torterolo
Hábitos, 2020
Plastic paint on canvas
24.4 x 21.3 in
Rafael Cabella
Untitled, c.1980
Oil on cardboard
13.3 x 20 in
Natalia Torterolo
Teta azul, 2023
Oil on canvas
15.7 x 11.8 in
Rafael Cabella
Untitled, 1988
Oil on cardboard
20 x 14 in
José Luis Parodi
Dyptich 4 LC 2 , 2016
Oil on duraboard
23.6 x 15.7 in
Rafael Cabella
Untitled, 1989
Oil on chapadur
21.3 x 22.5 in
Natalia Torterolo
Sin nombre, 2023
Oil on canvas
27.6 x 21.7 in
José Luis Parodi
Lumpen con blusa amarilla, 2004
Acrylic on canvas
23.6 x 15.7 in
Rafael Cabella
Untitled, 1979
Oil on chapadur
13.8 x 17.1 in
Natalia Torterolo
Madre todos me rechazan, 2023
Oil on canvas
19.7 x 15.7 in
José Luis Parodi
Lumpen con fondo celeste, 2009
Acrylic on canvas
23.6 x 15.7 in
Rafael Cabella
Untitled, c.1980
Oil on cardboard
17.91 x 14.56 in
Natalia Torterolo
Jaula, 2023
Mixed media on canvas
29.5 x 23.6 in
p.09
Eduardo Basualdo
Precuela
02—2023
[...] Fundadas en la naturaleza de la representación, las obras de Precuela abrazan poéticas y ensayan ideas sobre cuestiones que emergen y aparecen de forma recurrente. Son formas germinales, en estado de latencia que condensan su potencia narrativa como formas embrionarias. Un mundo de entes y seres conforma una máquina simbólica en funcionamiento en el momento anterior a la formación de un cuerpo. Perseguir la pregunta sea quizás una estrategia pertinente para abrazar este universo.
Curaduría: Martín Craciun
X
Eduardo Basualdo
Vengador
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
Eduardo Basualdo
La cabaña
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
Eduardo Basualdo
Sin título
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
Eduardo Basualdo
Madriguera
Serie Recámara, 2023
Pastel tiza sobre papel
150 x 120 cm
Eduardo Basualdo
Cosquillas
Serie Recámara, 2023
Pastel tiza sobre papel
150 x 120 cm
Eduardo Basualdo
Radares
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
Eduardo Basualdo
Elefante
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
Eduardo Basualdo
Bola de piedra
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
Eduardo Basualdo
Huevo
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
Eduardo Basualdo
Fábula
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
Eduardo Basualdo
Globo
Serie Recámara, 2023
Pastel tiza sobre papel
150 x 120 cm
Eduardo Basualdo
Radares
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
Eduardo Basualdo
Universo
Serie Recámara, 2023
Pastel tiza sobre papel
150 x 120 cm
Eduardo Basualdo
Arañita
Serie Precuela, 2023
Pastel tiza sobre papel
50 x 36 cm
p.09
Eduardo Basualdo
Precuela
02—2023
[...] Based on the nature of representation, these works embrace poetics and try out ideas regarding questions that emerge and appear repeatedly. They are germinal forms, in a state of latency that condenses their narrative potential as if in an embryonic state. This world of entities and beings makes up a symbolic machinery, in operation at the moment prior to forming a body.
Pursuing a question may well be a pertinent strategy for embracing this universe.
Curated by Martín Craciun
X
Eduardo Basualdo
Vengador
Series Precuela, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
Eduardo Basualdo
La cabaña
Series Precuela, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
Eduardo Basualdo
Untitled
Series Precuela, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
Eduardo Basualdo
Madriguera
Series Recámara, 2023
Chalk pastel on paper
59 x 47.2 in
Eduardo Basualdo
Universo
Series Cosquillas, 2023
Chalk pastel on paper
59 x 47.2 in
Eduardo Basualdo
Radares
Series Precuela, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
Eduardo Basualdo
Elefante
Series Precuela, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
Eduardo Basualdo
Bola de piedra
Series Precuela, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
Eduardo Basualdo
Huevo
Series Precuela, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
Eduardo Basualdo
Huevo
Series Fábula, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
Eduardo Basualdo
Globo
Series Recámara, 2023
Chalk pastel on paper
59 x 47.2 in
Eduardo Basualdo
Radares
Series Precuela, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
Eduardo Basualdo
Universo
Series Recámara, 2023
Chalk pastel on paper
59 x 47.2 in
Eduardo Basualdo
Arañita
Series Precuela, 2023
Chalk pastel on paper
19.6 x 14.1 in
p.08
Carmelo Arden Quin
Fragmentos de misterio
01—2023
Pinturas de la serie Aléatoires de Arden Quin, 1976.
La obra de Carmelo Arden Quin se alojó alternativamente en las artes visuales y en la literatura. En los años 70, y mientras vivía entre Niza y París, comenzó una serie de pinturas sobre papel, deudora de ambas vertientes, a las que llamó "Aléatoires".
"Me gusta crear cosas muy simples. […] Yo creo mucho en los juegos, que son una especie de espejo de la vida, de la lucha. En la vida, hay ataque y defensa. El juego es un conflicto, con el otro, o con uno mismo". —Carmelo Arden Quin, 1988
Texto: María Cristina Rossi
Catálogo
Texto [PDF] Obras / Fragmentos de misterio [PDF] Catálogo/ Fragmentos de misterio [PDF] Exhibición / Publicación [PDF]X
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire n० 2, 1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire n० 36, 1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire n० 6, 1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9, cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire n० 21, 1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrílico en aerosol sobre papel
62,7 x 38,9 cm
p.08
Carmelo Arden Quin
Fragmentos de misterio
01—2023
Paintings by Arden Quin from the Aléatoires Series, 1976.
Carmelo Arden Quin’s work alternatively resided in the visual arts and in literature. While living between Nice and Paris during the 1970s, he began a series of paintings on paper that draw upon both areas, which he called "Aléatoires" (Random).
"I like to create very simple things. […] I have a great belief in games, which are somehow a mirror of life, of struggle. In life, there is offense and defense. A game is a conflict, with someone else or with yourself". —Carmelo Arden Quin, 1988
Text: María Cristina Rossi
Catalogue
Text [PDF] Works / Fragmentos de misterio [PDF] Catalogue/ Fragmentos de misterio [PDF] Exhibition / Publication [PDF]X
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire n० 2, 1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire n० 36, 1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire n० 6, 1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire n० 21, 1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
Carmelo Arden Quin
Aleatoire s/n०, ca.1976
Acrylic spray paint on paper
24.7 x 15.3 in
p.07
Ana López
Lecho marino
12—2022
[...] Para Ana el papel es un amor tóxico, como el barro: la relación parte del rechazo, el daño y la resistencia, es una conquista desde el cariño y desde la posibilidad de que las cosas fallen. Hay una propuesta ficticia de conquista, una ficción por denuncia, pero es otra obra en la que no hay historia posible, no hay fechas precisas, sólo una intención de empezar de nuevo. Algunas lecturas hay que hacerlas desvinculando unas cosas de otras. En la obra de Ana el principio de movimiento parte de la obra y afecta a la artista, por eso es un movimiento que desordena y convierte un cuerpo en un archivo político vivo.
Curaduría: Santiago Villanueva
Poema: Marta Dillon
Catálogo
Texto [PDF] Obras / Lecho marino [PDF] Exhibición / Publicación [PDF] Catálogo / Lecho marino [PDF]X
Ana López
Pesca en un día gris, 1999
Óleo sobre madera
15 x 15 cm
Ana López
Con la verdad volamos, 1993
Óleo sobre madera
15 x 15 cm
Ana López
Anémona, 2021–2022
Cerámica esmaltada
26 x 18 cm diámetro
Ana López
Torre de leche, 2021–2022
Cerámica esmaltada
41 x 33 cm diámetro
Ana López
Pequeño mundo rosa, 2021-2022
Cerámica esmaltada
Instalación, medidas variables
Ana López
Raíces purificadoras Gumier, 2021–2022
Cerámica esmaltada
Instalación, medidas variables
Ana López
Planta bola y Bivalvo con verdes, 2021-2022
Cerámica esmaltada
Instalación, medidas variables
Ana López
Esponja brotada, 2021–2022
Cerámica esmaltada
Instalación, medidas variables
Ana López
La orilla, 2022
Cerámica esmaltada
124 cm diámetro
Ana López
Pequeña carnívora, 2021-2022
Cerámica esmaltada
12 x 3 x 5 cm
Ana López
Carnívoras, 2021-2022
Acuarela sobre papel
123.5 x 124 cm
Ana López
Las chicas del coro, 2021-2022
Óleo sobre tela
110 x 150 cm
Ana López
Esponjas, 2021-2022
Acuarela sobre papel
123.5 x 124 cm
p.07
Ana López
Lecho marino
12—2022
[...] For Ana, paper is a toxic love, much like clay: the relationship begins with rejection, damage and resistance, and the conquest, through caring and with the possibility that things may fail. There is a fictitious proposal of conquest, a fiction by way of denunciation, but it is another work in which no history is possible; there are no precise dates, just an intention to start over again. Some readings must be done by disconnecting some things from others. In Ana’s work, the principle of movement originates in the work and affects the artist, and this is why the movement generates disorder, converting the body into a living political archive.
Curated by Santiago Villanueva
Poem Marta Dillon
Catalogue
Text [PDF] Works / Lecho marino [PDF] Exhibition / Publication [PDF] Catalogue / Lecho marino [PDF]X
Ana López
Pesca en un día gris, 1999
Oil on wood
6 x 6 in
Ana López
Con la verdad volamos, 1993
Oil on wood
6 x 6 in
Ana López
Anémona, 2021–2022
Glazed ceramic
10.2 x 7 in diameter
Ana López
Torre de leche, 2021–2022
Glazed ceramic
16.14 x 13 in diameter
Ana López
Pequeño mundo rosa, 2021-2022
Glazed ceramic
Installation, variable dimensions
Ana López
Raíces purificadoras Gumier, 2021–2022
Glazed ceramic
Installation, variable dimensions
Ana López
Planta bola y Bivalvo con verdes, 2021-2022
Glazed ceramic
Installation, variable dimensions
Ana López
Esponja brotada, 2021–2022
Glazed ceramic
Installation, variable dimensions
Ana López
La orilla, 2022
Glazed ceramic
48.7 in diameter
Ana López
Pequeña carnívora, 2021-2022
Glazed ceramic
4.7 x 1.2 x 2 in
Ana López
Carnívoras, 2021-2022
Watercolor on paper
48.6 x 48.8 in
Ana López
Las chicas del coro, 2021-2022
Oil on canvas
43.3 x 59 in
Ana López
Esponjas, 2021-2022
Watercolor on paper
48.6 x 48.8 in
p.06
José Luis Landet
Multitud de estados posibles
10—2022
[...] El proceso de creación del conjunto de obras reunidas en el proyecto "Multitud de estados posibles" posee semejanzas con procedimientos de la producción cartográfica, puesto que ambos son actividades de mapeo de los territorios sobre los cuales artista y cartógrafos se centran. Acciones de investigación que, pese a todo, siempre generan representaciones parciales de esos espacios. Si las obras creadas por José Luis Landet, así como mapas dibujados por especialistas, se confundieran con los territorios que buscan retratar, perderían su función de orientar al otro (el visitante de una muestra, un viajero) en el recorrido de un universo complejo. Se volverían redundantes y, por lo tanto, inútiles. Las representaciones del mundo están siempre –por definición– por debajo de lo que es representado. Producir arte y dibujar cartas geopolíticas implica hacer elecciones, dando destaque a ciertos marcos creados o encontrados mientras se recorre e investiga un determinado espacio. Marcos que, cuando mostrados todos juntos (exhibidos en una muestra o impresos en la forma de mapa), generan conocimiento –necesariamente parcial o subjetivo– sobre territorios específicos, producido desde puntos de vista singulares. Los recortes de banderas, sus relecturas en telar, los bastones, las pinturas y los dibujos que el artista reúne y presenta en el espacio de exhibición son los marcos que inventó para entender y orientarse en el mundo en transformación en el que vive.
Curaduría: Moacir dos Anjos
X
José Luis Landet
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 05, 2022
Fragmentos de óleo s/tela, esmalte sintético
negro y color, sténcil, aerosol negro s/tela
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragmentos de tela s/bastidor de madera
30x40 cm c/u
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 03, 2022
Fragmentos de óleo s/tela, esmalte sintético
negro y color, sténcil, aerosol negro s/tela
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragmentos de tela s/bastidor de madera
30 x 40 cm c/u
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 01, 2022
Fragmentos de óleo s/tela, esmalte sintético
negro y color, sténcil, aerosol negro s/tela
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragmentos de tela s/bastidor de madera
30 x 40 cm c/u
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 04, 2022
Fragmentos de óleo s/tela, esmalte sintético
negro y color, sténcil, aerosol negro s/tela
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragmentos de tela s/bastidor de madera
30 x 40 cm c/u
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 02, 2022
Fragmentos de óleo s/tela, esmalte sintético
negro y color, sténcil, aerosol negro s/tela
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragmentos de tela s/bastidor de madera
30 x 40 cm c/u
p.06
José Luis Landet
Multitud de estados posibles
10—2022
It is argued here that the process of creation for the entire group of works brought together in the Multitud de estados posibles project states bears similarities with cartographic production procedures, in the sense that both are activities of mapping the territories that the artist and mapmakers focus on. However, these are investigative actions that always generate partial representations of these spaces. If the works created by José Luis Landet or the maps elaborated by specialists were to become confused with the territories they seek to portray, they would lose their function as a guide for the other (visitor to an exhibition, traveler) on their journey through a complex universe. They would become redundant and as such, useless. By definition, representations of the world always fall short of what is being represented. To produce art or to draw geopolitical maps implies making decisions, highlighting certain frameworks created or found while traveling through and investigating a determined space. When shown all together, these frameworks (exhibited in an exhibition or printed in the form of a map) generate knowledge—necessarily partial and subjective—about specific territories, produced from unique points of view. The flag fragments, their re-readings by way of the loom, the poles, the paintings and the drawings that the artist brings together and presents in the exhibition space are the frameworks that he has invented in order to comprehend and orient himself in the ever-transforming world in which he lives.
Curated by Moacir dos Anjos
X
José Luis Landet
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 05, 2022
Fragments of oil on canvas, black and colored
synthetic enamel, stencil, black spray on canvas
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragments of cloth on wooden frame
30x40 cm each
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 03, 2022
Fragments of oil on canvas, black and colored
synthetic enamel, stencil, black spray on canvas
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragments of cloth on wooden frame
30 x 40 cm each
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 01, 2022
Fragments of oil on canvas, black and colored synthetic enamel, stencil, black spray on canvas
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragments of cloth on wooden frame
30 x 40 cm each
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 04, 2022
Fragments of oil on canvas, black and colored
synthetic enamel, stencil, black spray on canvas
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragments of cloth on wooden frame
30x40 cm each
José Luis Landet
Multitud de estados posibles 02, 2022
Fragments of oil on canvas, black and colored
synthetic enamel, stencil, black spray on canvas
110 x 150 cm
José Luis Landet
Estados múltiples (A), 2020
Fragments of cloth on wooden frame
30x40 cm each
p.05
Ulises Beisso
Rara Avis
04—2022
SUBTE, en coproducción con Walden Naturae, presenta Rara Avis, una exposición antológica sobre la obra del artista montevideano Ulises Beisso (1958-1996).
La exposición cuenta con más de cien obras que nunca fueron exhibidas en su conjunto y que, en su mayoría, tampoco fueron exhibidas públicamente. Acompañan documentos, ilustraciones, fotografías (organizadas y catalogadas luego de un largo proceso de investigación), y el documental “La intención del Colibrí”, de Sergio De León. La obra de Ulises Beisso, de un carácter personal, autobiográfico y sensible, propone pensar, en términos identitarios, las disidencias y la diversidad en el contexto cultural montevideano de los ochenta y comienzos de los noventa.
Curaduría: Pablo León de la Barra
SUBTE Intendencia de Montevideo
X
Ulises Beisso
La playa de los malabares, 1989
Óleo sobre handboard
66.2 x 66.6 cm
Ulises Beisso
Formas amorfas, 1994—95
Óleo sobre cartón
110.5 x 90 cm
Ulises Beisso
Homosexual / solo partes humanas, 1992
Acrílico y tinta sobre papel
20.5 x 22 cm
Ulises Beisso
Sin título, 1996
Técnica mixta sobre hardboard
127.5 x 100 cm
Ulises Beisso
Dolor negro, 1995
Témpera sobre madera
14.6 x 25 cm
p.05
Ulises Beisso
Rara Avis
04—2022
SUBTE and Walden Naturae present Rara Avis, an anthology exhibition of works by artist Ulises Beisso (1958-1996), from Montevideo, Uruguay.
This exhibition includes over one hundred works that have never been shown as a group before, where the majority of pieces will be on public display for the first time. Accompanying the exhibition are documents, illustrations and photographs (organized and cataloged following a long process of investigation) in addition to the documentary “La intención del Colibrí” (The Hummingbird’s Intentions) by Sergio De León. Ulises Beisso’s work is of a personal, sensitive and autobiographical nature, and it invites thought regarding the dissidences and diversity present in Montevideo´s cultural context during the eighties and early nineties from a perspective of identity.
Curated by Pablo León de la Barra
SUBTE Intendencia de Montevideo
X
Ulises Beisso
La playa de los malabares, 1989
Oil on handboard
26 1/8 x 21 7/8 in
Ulises Beisso
Formas amorfas, 1994—95
Óleo on cardboard
43 1(2 x 35 3/8 in
Ulises Beisso
Homosexual / solo partes humanas, 1992
Acrylic and ink on paper
8 1/8 x 8 5/8 in
Ulises Beisso
Untitled, 1996
Mixed technique on hardboard
54 1/8 x 39 3/8 in
Ulises Beisso
Dolor negro, 1995
Tempera on wood
5 3/4 x 9 7/8 in
p.04
Bado & Delgado
La otra mitad del amor
05—2022
La exposición presenta la obra de dos prolíficos artistas montevideanos articulada en torno a un centro de interés común. La figuración y la representación se colocan en tensión para proponernos pensar el amor en los tiempos que corren. El título actúa como un disparador, para sesgar la mirada y arriesgar conexiones. Un conjunto de obras que capturan la atención y buscan incitar la interacción de los mundos interiores y exteriores, combinando la imaginación con las representaciones sensibles de la realidad mundana. "La otra mitad del amor" hace referencia a las publicaciones "La mitad del amor / La otra mitad del amor", editadas en Uruguay a fines de los años 60, donde un grupo de jóvenes escritores, poetas, críticos y editores con espíritu cosmopolita, –la autodenominada Generación del 45–, ensayaba sobre un tema tan humano como universal. Las obras expuestas están llenas de mimetismo y deseo, procuran establecer desde su materialidad preguntas en un diálogo sensible entre formatos y lenguajes.
No se trata de amor / damos la vida / y me pide y le pido / me vence y lo venzo / y me acaba y lo acabo
Idea Villariño, Poemas de amor
Curaduría: Martín Craciun
X
Gonzalo Delgado
Te espero acá, 2019
Pastel y tinta sobre papel
200 x 150 cm
Gonzalo Delgado
Siempre, 2017
Acrílico y pastel
sobre compensado
186 x 138 cm
Gonzalo Delgado
Siempre, 2021
Acrílico y carbonilla
sobre lienzo
100 x 80 cm
Gonzalo Delgado
Sin título, 2019
Carbonilla sobre papel
180 x 150 cm
Gonzalo Delgado
La lección consentida, 2018
Carbonilla y acrílico
sobre madera compensada
200 x 170 cm (aprox)
Gonzalo Delgado
Tuyo, 2021
Acrílico y carbonilla
sobre lienzo
100 x 80 cm
Gonzalo Delgado
Primera piedra, 2017
Pastel y acrílico
sobre madera
93 x 64 cm
Candela Bado
Atenas, 2021
Azulejos de cerámica
sobre bastidor
151,5 x 196,5 x 7 cm
Candela Bado
Busto azul cobalto, 2021
Cerámica esmaltada
21 x 21 x 22,5 cm
Base azulejos
31 x 31 x 121 cm
Candela Bado
Finger gun (blanca), 2021
Cerámica, esmalte y hierro
35 x 20 x 9 cm
Base 100 x 40 cm
p.04
Bado & Delgado
La otra mitad del amor
05—2022
The exhibition features two prolific artists from Montevideo, with works articulated in relation to a common interest. Tension between representation and figuration runs throughout this proposition to think of love in current times. The exhibition title—"La otra mitad del amor"—acts as a catalyst, guiding the gaze, risking connections and enabling a shared narrative. The exhibition presents a group of works that capture the eye and look to elicit interaction between the inner realm and the outside world, combining imagination and sensitive representations of mundane reality. Candela Bado shows a selection of ceramic sculptures, while Gonzalo Delgado exhibits his drawings and large format paintings. "La otra mitad del amor" makes reference to a group of publications "Half of Love / The Other Half of Love" [La mitad del amor / La otra mitad del amor] published in Uruguay in the late sixties, when a group of young writers, poets, critics and editors with a cosmopolitan spirit—the self denominated Generation of ‘45—ventured an approach to this theme, as human as it is universal.
The works on display are full of mimicry and desire, where their material aspect effectively manages to raise questions in a simple dialog—of formats and languages—between two contemporary creators.
It isn’t about love / we give life / and he asks me and I ask him / and he conquers me and I conquer him / and he finishes me and I finish him. Idea Villariño, Poemas de amor [Love Poems], 1962
Curated by Martín Craciun
X
Gonzalo Delgado
Te espero acá, 2019
Pastel and ink on paper
78.7 x 59 in
Gonzalo Delgado
Siempre, 2017
Acrylic and pastel
on offset
73 x 54 in
Gonzalo Delgado
Siempre, 2021
Acrylic and charcoal
on canvas
39 x 31.5 in
Gonzalo Delgado
Untitled, 2019
Charcoal on paper
70.8 x 59 in
Gonzalo Delgado
La lección consentida, 2018
Charcoal and Acrylic
on offset wood
78.7 x 67 in (aprox)
Gonzalo Delgado
Tuyo, 2021
Acrylic and charcoal
on canvas
39 x 31.5 in
Gonzalo Delgado
Primera piedra, 2017
Pastel and acrylic
on wood
36.6 x 25 in
Candela Bado
Athens, 2021
Ceramic tiles on canvas
59.6 x 77 x 2.7 in
Candela Bado
Busto azul cobalto, 2021
Enameled ceramics
8 x 8 x 8.8 inches
Pedestal Tiles
12 x 12 x 47.6 in
Candela Bado
Finger gun (white), 2021
Ceramic, enamel and iron
13.7 x 7.8 in x 3.5 in
Stand 39.3 x 15.7 in
p.03
Cristina Schiavi
Esplendor de verano
02—2022
¿Puede cualquier cuerpo aparecer?, se pregunta Judith Butler. ¿Atravesar las normas, la corporalidad permitida?
Durante los primeros tiempos del encierro pandémico, la ausencia de otros cuerpos, me obliga a tener registro del mío. Ya no sirven las líneas de fuga, la resistencia a pensarlo.
El cuerpo como instrumento de dolor, pero también de placer.
Habilitada, quizá, por las luchas feministas y sus cuestionamientos acerca del género, la sexualidad y la racialidad, aparece el impulso de visibilizar cuerpos redondeados, blandos, esponjosos, que se expanden en el paisaje. Una figura de resistencia que se permite el agenciamiento del deseo. Cuerpo fofo, territorializado. Mi cuerpo.
X
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Acrílico sobre tela
179 x 180 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Acrílico sobre tela
179 x 180 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Acrílico sobre tela
140 x 175 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Boceto
Acrílico sobre MDF
20 x 20 x 5.5 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Boceto
Acrílico sobre MDF
16 x 16 x 5.5 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Boceto
Acrílico sobre MDF
17 x 21 x 5.5 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Boceto
Acrílico sobre MDF
Objeto y base
22 x 42 x 23 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Boceto
Acrílico sobre MDF
25 x 20 x 5.5 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Acrílico sobre tela
40 x 70 x 2.5 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Acrílico sobre tela
140 x 265 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Acrílico sobre tela
40 x 70 x 2.5 cm
Cristina Schiavi
Serie Cuerpo fofo, 2021
Acrílico sobre hardboard entelado
24 x 30 cm
p.03
Cristina Schiavi
Esplendor de verano
02—2022
Can any body appear, as Judith Butler asks herself? Can the norms of permitted corporality be cut through?
During the early days of pandemic reclusion, the absence of other bodies obliges me to have some register of my own. Following lines to their vanishing point and resisting thought no longer work.
The body as an instrument of pain, but also of pleasure.
Possibly empowered by the struggles of feminism and their questioning of gender, sexuality and race, the impulse arises to give visibility to soft, rounded, spongy bodies that expand in the landscape. A figure of resistance that allows itself the agency of desire. A flabby, territorialized body. My body.
X
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Acrilyc on canvas
70 1/2 x 70 7/8 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Acrilyc on canvas
70 1/2 x 70 7/8 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Acrilyc on canvas
55 1/8 x 68 7/8 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Sketch
Acrilyc on MDF
7 7/8 x 7 7/8 x 2 1/8 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Sketch
Acrilyc on MDF
6 1/4 x 6 1/4 x 2 1/8 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Sketch
Acrilyc on MDF
6 3/4 x 8 1/4 x 2 1/8 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Sketch
Acrilyc on MDF
Objet and base
8 1/2 x 17 x 9 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Sketch
Acrilyc on MDF
9 7/8 x 7 7/8 x 2 1/8 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Acrilyc on canvas
15 3/4 x 27 1/2 x 1 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Acrilyc on canvas
55 1/8 x 104 3/8 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Acrilyc on canvas
15 3/4 x 27 1/2 x 1 in
Cristina Schiavi
Cuerpo fofo Series, 2021
Acrylic on scrim hardboard
9 1/2 x 12 in
p.02
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
01—2022
A partir del encierro provocado por el virus, Guagnini (1966) desarrolló una serie de dibujos de figuras de perfil emitiendo aire. El virus se tematiza así como discurso, como infección, como elemento estético. Las primeras pinturas de esa serie fueron presentadas por Walden en el OVR de Art Basel en el 2020. El artista llevó a gran formato cuatro de esas figuras, tematizadas como las cuatro estaciones, prefigurando sin saberlo el carácter endémico de la pandemia. Las figuras monumentales, porosas, evocan la metafísica de Roberto Aizenberg, quien fuera mentor y amigo de Guagnini; y las llaves de la modernista uruguaya Maria Freire. A partir de una colaboración con el estudio de Alto Liso, en Guadalajara, México, Guagnini convierte sus pinturas en tapices de extrema sofisticación. El estudio trasladó a mediados del siglo veinte técnicas de gobelino Europeo a la realidad del estado de Jalisco, con su tradición indigena de siglos de textiles. Los colores y matices que no se consiguen comercialmente son logrados tiñendo lanas; los tejedores trabajan en el diseño y su interpretación junto con el artista. El resultado son piezas únicas, de un lujo material y potencia visual que conjugan la metabolización de un evento traumático.
La exhibición se completa con dibujos de la misma serie; y alineándose con el interés del artista por las técnicas artesanales, con tres de sus cerámicas, dos de las cuales fueron recientemente exhibidas en el MALBA de Buenos Aires en el marco de la exhibición “Terapia”, que examinó la influencia del psicoanálisis en el arte argentino.
Catálogo
Texto [PDF] Obras / Las cuatro estaciones [PDF] Exhibición / Publicación [PDF]Prensa
Exhibition, Farces and Tirades, 02—2022, Museum of Contemporary Art of RomeX
Nicolás Guagnini
IRS, 2019
Cerámica vidriada lustrada
38.1 x 14 x 12.7 cm
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
del COVID
Primavera, 2021
Gobelino
220 x 170 cm
Nicolás Guagnini
Dibujo
Serie COVID, 2021
Tinta y lápiz sobre papel
21 x 15 cm
Nicolás Guagnini
Ida Bauer, 2019
Cerámica vidriada lustrada
39.4 x 37.5 x 17.8 cm
Nicolás Guagnini
Even in the countryside, 2020
Óleo sobre arpillera
montada sobre madera
35.6 x 27.9 cm
Nicolás Guagnini
Conspiracy Theory, 2020
Óleo, polvo de mica y
acrílico sobre arpillera
montada sobre madera
35.6 x 27.9 cm
Nicolás Guagnini
COVID Serie
Inmunes Misteriosos, 2021
Acrílico sobre tela
102 x 77 cm
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
del COVID
Otoño, 2021
Gobelino
220 x 170 cm
Nicolás Guagnini
Poisoned Pawn, 2020
Acrílico y óleo
sobre arpillera
montada en madera
35.6 x 27.9 cm
Nicolás Guagnini
Dibujo
Serie COVID, 2021
Tinta y lápiz sobre papel
21 x 15 cm
Nicolás Guagnini
The Swedish solution, 2020
Óleo y acrílico
sobre arpillera
montada sobre madera
35.6 x 27.9 cm
Nicolás Guagnini
Trasmisor II, 2020
Acrílico sobre tela
35.6 x 27.9 cm
Nicolás Guagnini
Infectado, 2020
Acrílico sobre tela
35.6 x 27.9 cm
Nicolás Guagnini
Serie COVID
Inmunes Misteriosos, 2021
Acrílico sobre tela
61 x 46 cm
Nicolás Guagnini
Danton, 2017
Cerámica vidriada lustrada
39.4 x 33 x 27.9 cm
Nicolás Guagnini
Dibujo
Serie COVID, 2021
Tinta y lápiz sobre papel
21 x 15 cm
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
del COVID
Invierno, 2021
Gobelino
220 x 170 cm
Nicolás Guagnini
Dibujo
Serie COVID, 2021
Tinta y lápiz sobre papel
21 x 15 cm
Nicolás Guagnini
Dibujo
Serie COVID, 2021
Tinta y lápiz sobre papel
21 x 15 cm
Nicolás Guagnini
Serie COVID
Inmunes Misteriosos, 2021
Acrílico sobre tela
61 x 46 cm
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
del COVID
Verano, 2021
Gobelino
220 x 170 cm
Nicolás Guagnini
Dibujo
Serie COVID, 2021
Tinta y lápiz sobre papel
21 x 15 cm
p.02
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
01—2022
In response to the confinement imposed by the virus, Guagnini (1966) developed a series of profile view drawings of figures emitting air. The virus is handled as discourse, as infection and as an aesthetic element. Walden presented the first paintings from this series at Art Basel’s OVR in 2020. The artist expanded four of these figures into large format with the theme of the four seasons, inadvertently foreshadowing the pandemic’s endemic nature. The monumental, porous figures evoke the metaphysical work of Roberto Aisenberg, who was Guagnini’s friend and mentor, in addition to keys in Uruguayan modernist Maria Freire’s work. By means of collaboration with the Alto Liso studio in Guadalajara, Mexico, Guagnini converts his paintings into extremely sophisticated tapestries. The studio brought techniques found in Europe at the Manufacture Royale des Gobelins in France into the mid-twentieth century, and into the reality of the state of Jalisco, with centuries of indigenous tradition in textiles. Commercially unavailable colors and shades are achieved by dying the wool; weavers work jointly with the artist on the design and its interpretation. This results in unique pieces, where lavish materials and visual potency engage to metabolize a traumatic event.
Drawings from the same series round out the exhibition, as do three ceramic pieces, in accordance with the artist’s interest in craft techniques. Two of these pieces were recently exhibited in Buenos Aries at MALBA, in the framework of the “Terapia” (Therapy) show, which examined the influence of psychoanalysis in Argentinean Art.
Catalogue
Text [PDF] Works / Las cuatro estaciones [PDF] Exhibition / Publication [PDF]Press
Exhibition, Farces and Tirades, 02—2022, Museum of Contemporary Art of RomeX
Nicolás Guagnini
IRS, 2019
Vitrified glazed ceramic
15 x 5.5 x 5 in
Nicolás Guagnini
The four seasons
of COVID
Spring, 2021
Gobelin
86 5/8 x 66 7/8 in
Nicolás Guagnini
Drawing
COVID Series, 2021
Ink and pencil on paper
8 1/4 x 5 7/8 in
Nicolás Guagnini
Ida Bauer, 2019
Vitrified glazed ceramic
39.4 x 37.5 x 17.8 cm
Nicolás Guagnini
Even in the countryside, 2020
Oil on burlap
mounted on wood
14 x 11 in
Nicolás Guagnini
Conspiracy Theory, 2020
Oil, Mica powder and acrylic
on burlap mounted on wood
14 x 11 in
Nicolás Guagnini
COVID Series
Inmunes Misteriosos, 2021
Acrylic on canvas
40 1/8 x 30 1/4 in
Nicolás Guagnini
The four seasons
of COVID
Autumn, 2021
Gobelin
86 5/8 x 66 7/8 in
Nicolás Guagnini
Poisoned Pawn, 2020
Acrylic and oil
on burlap mounted on wood
14 x 11 in
Nicolás Guagnini
Drawing
COVID Series, 2021
Ink and pencil on paper
8 1/4 x 5 7/8 in
Nicolás Guagnini
The Swedish solution, 2020
Oil and acrylic
on burlap mounted on wood
14 x 11 in
Nicolás Guagnini
Trasmisor II, 2020
Acrylic on canvas
14 x 11 in
Nicolás Guagnini
Infectado, 2020
Acrylic on canvas
14 x 11 in
Nicolás Guagnini
COVID Series
Inmunes Misteriosos, 2021
Acrylic on canvas
24 1/8 x 18 1/8 in
Nicolás Guagnini
Danton, 2017
Vitrified glazed ceramic
39.4 x 33 x 27.9 cm
Nicolás Guagnini
Drawing
COVID Series, 2021
Ink and pencil on paper
8 1/4 x 5 7/8 in
Nicolás Guagnini
The four seasons
of COVID
Winter, 2021
Gobelin
86 5/8 x 66 7/8 in
Nicolás Guagnini
Drawing
COVID Series, 2021
Ink and pencil on paper
8 1/4 x 5 7/8 in
Nicolás Guagnini
Drawing
COVID Series, 2021
Ink and pencil on paper
8 1/4 x 5 7/8 in
Nicolás Guagnini
COVID Series
Inmunes Misteriosos, 2021
Acrylic on canvas
24 1/8 x 18 1/8 in
Nicolás Guagnini
The four seasons
of COVID
Summer, 2021
Gobelin
86 5/8 x 66 7/8 in
Nicolás Guagnini
Drawing
COVID Series, 2021
Ink and pencil on paper
8 1/4 x 5 7/8 in
p.01
Marcia Schvartz
Rioplatense
12—2021
La mano se sostiene con una torsión de muñeca, apenas parece afirmarse en uno solo de los dedos. El eje vertical del antebrazo flota, más que apoyarse, en el vigoroso muslo. Las piernas tienen cada una su autonomía, como si batallaran para abrirse a un deseo estimulado por la lujuria del rostro y el rojo de las flores: la nariz potente se hunde en la leve fragancia de esas camelias. La cabeza cubierta por un gorro avisa que es el fin del invierno, cuando algunas camelias florecen. Solitaria en los asientos verdes del colectivo, vestida de negro como una viuda de pueblo, lleva la planta con alegría. Como si una lupa se hubiera detenido en algún detalle de la serie de los colectivos de Aída Carballo. La empatía con la vida popular, entre la certeza de la mirada y el humor que bordea el grotesco desde un exacerbado realismo, también presente en la pareja en el bar ensimismada en sus silencios, entre las piernas y los brazos cruzados de uno y otra, ajenos dentro del ambiente casi irreal. En 1976 la pintura de Marcia Schvartz (1955) asume el color como parte estructural de su figuración, antes transitaba una paleta baja con dominio de los negros que perdura luego en las figuras marginales que se aman sin concesiones. El color es, acaso, la respuesta vital a la destrucción.
[...] Roberto Amigo
Catálogo
Texto / Roberto Amigo [PDF] Obras / Rioplatense [PDF]Prensa
Celina Chatruc, 12—2021, La NaciónX
Marcia Schvartz
Amanecer en Paraguay
Díptico. Óleo sobre tela
117 x 132 cm (c/u)
Marcia Schvartz
Lo de Vittor, 2011
Óleo sobre tela y papel
50 x 49.5 cm
Marcia Schvartz
Ella es la reina del Rock and Roll
Pastel sobre tela
140 x 190 cm
Marcia Schvartz
Furia, 2007
Óleo sobre tela
150 x 150 cm
Marcia Schvartz
Largo palo oscuro buscando
Óleo sobre tela
180 x 200 cm
Marcia Schvartz
Rojo india
Técnica mixta sobre tela
180 x 120 cm
Marcia Schvartz
Y ya lo ve, y ya lo ve .. es la gloriosa JP, 2013
Técnica mixta sobre tela
110 x 155 cm
Marcia Schvartz
Matanza, 2007
Óleo sobre madera y chapa
140 x 99 cm
Marcia Schvartz
Quebracho
Técnica mixta sobre tela
120 x 180 cm
Marcia Schvartz
Nelba, 2001
Técnica mixta sobre tela
180 x 130.5 cm
Marcia Schvartz
Maraña (autorretrato), 2007
Tiza pastel sobre arpillera
74 x 60 cm
Marcia Schvartz
Borravino, 2004
Óleo sobre tela teñida
140 x 110.5 cm
Marcia Schvartz
Nadia, 1998
Óleo y óleo pastel sobre arpillera
150 x 94 cm
Marcia Schvartz
Terraza del Abasto, 1999
Técnica mixta sobre arpillera
90 x 126 cm
Marcia Schvartz
Tatto
Técnica mixta sobre papel
100 x 70 cm
Marcia Schvartz
Araca Corazón, 2005
Técnica mixta sobre tela
120 x 135 cm
Marcia Schvartz
Pedoia, 1999
Pastel sobre arpillera
126 x 96 cm
Marcia Schvartz
Volver, 2004
Técnica mixta sobre arpillera
120 x 90 cm
p.01
Marcia Schvartz
Rioplatense
12—2021
The hand is held with a twist of the wrist, barely sustained, it would seem, by a single finger. The vertical axis of the forearm floats, rather than resting on the vigorous thigh. Each leg has its own autonomy, as if one were fighting against the other to open in response to a desire stimulated by the red of the flowers and the lust in the face: the powerful nose is submerged in the camellias’ light fragrance. The hat covering the head indicates that winter has nearly ended, when some camellias bloom. Dressed in black like a village widow, alone on the green seats of the bus, she carries the plant with joy. It’s as if a loupe had been poised to focus on some detail of Aída Carballo’s series on buses. There is an empathy with the lives of common folk that lies between the certainty of the gaze and humor, based on exacerbated realism and bordering on the grotesque. It is also present in the silence of the couple at the bar, lost in thought, between the crossed arms and legs of one and the other, disconnected within surroundings that are almost unreal. In 1976, Marcia Schvartz’s (1955) painting takes on color as a structural part of its figuration; it had previously moved within a lower intensity palette, dominated by blacks that later persisted in marginal figures who love one another without reservations. Color may be a vital response to destruction.
[...] Roberto Amigo
Catalogue
Text / Roberto Amigo [PDF] Works / Rioplatense [PDF]Press
Celina Chatruc, 12—2021, La NaciónX
Marcia Schvartz
Amanecer en Paraguay
Diptych. Oil on canvas
46 1/8 x 52 in (each)
Marcia Schvartz
Lo de Vittor, 2011
Oil on canvas and paper
19 3/4 x 19 1/2 in
Marcia Schvartz
Ella es la reina del Rock and Roll
Pastel on canvas
55 1/8 x 74 3/4 in
Marcia Schvartz
Furia, 2007
Oil on canvas
59 1/8 x 59 1/8 in
Marcia Schvartz
Largo palo oscuro buscando
Oil on canvas
70 7/8 x 78 3/4 in
Marcia Schvartz
Rojo india
Mixed technique on canvas
70 7/8 x 47 1/4 in
Marcia Schvartz
Y ya lo ve, y ya lo ve .. es la gloriosa JP, 2013
Mixed technique on canvas
43 1/4 x 61 1/8 in
Marcia Schvartz
Matanza, 2007
Oil on wood and veneer
55 1/8 x 39 in
Marcia Schvartz
Quebracho
Mixed technique on canvas
47 1/4 x 70 7/8 in
Marcia Schvartz
Nelba, 2001
Mixed technique on canvas
70 7/8 x 51 3/8 in
Marcia Schvartz
Maraña (autorretrato), 2007
Pastel on burlap
29 1/8 x 23 5/8 in
Marcia Schvartz
Borravino, 2004
Oil on dyed canvas
55 1/8 x 43 1/2 in
Marcia Schvartz
Nadia, 1998
Oil on burlap
59 1/8 x 37 1/8 in
Marcia Schvartz
Terraza del Abasto, 1999
Mixed technique on burlap
35 3/8 x 49 5/8 in
Marcia Schvartz
Tatto
Mixed technique on paper
39 3/8 x 27 1/2 in
Marcia Schvartz
Araca Corazón, 2005
Mixed technique on canvas
47 1/4 x 53 1/8 in
Marcia Schvartz
Pedoia, 1999
Pastel on burlap
49 5/8 x 37 3/4 in
Marcia Schvartz
Volver, 2004
Mixed technique on burlap
47 1/4 x 35 3/8 in