p.015
Elba Bairon
Construcciones
03—2024
Nada suele ser más presente que lo que no está. La ausencia tiene esa costumbre, esa vocación, esa persistencia de hablar con un silencio más poderoso que cualquier grito. De igual manera que un susurro asusta más que el trueno, lo que nos termina aterrorizando o poniendo en alerta suele ser un pequeño ruido en el patio que no terminamos de estar seguros si escuchamos o inventamos. Un leve crujido, un temblor de hojas, un viento que viene de otro lado [...]
Texto: Fidel Sclavo
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p.015
Elba Bairon
Construcciones
03—2024
Nothing tends to be quite so present as what is not there. Absence has the habit, the vocation, the persistence of speaking with a silence that is more powerful than any shout. Just like a whisper frightens more than a peal of thunder, what winds up filling us with dread or alerting our senses tends to be a small noise in the patio that we cannot be sure if we actually heard or just invented. A slight creak, leaves trembling, a wind that comes from the other side [...]
Text: Fidel Sclavo
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p.014
Martín Pelenur
Cosmética. La piel de la pintura
02—2024
Cosmética, esta aventura pictórica fanática del oficio y de la experimentación de Martín Pelenur, pone en juego la materia prima de la plástica y el sentido mismo de la mirada. Cosmos, de ahí el nombre de esta acción, pondera el orden astral pero también el caos en el reverso, sugiere lo infinito y a lo vez lo más efímero y palpable, contrasta lo prístino y limpio junto a lo misterioso y opaco. La pintura, en este proyecto, se revela como una técnica de mil variantes que trae al mundo gestos, colores, texturas y formas inscriptas en su pura sustancia.
Texto: Iosi Havilio
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p.014
Martín Pelenur
Cosmética. La piel de la pintura
02—2024
Cosmética (Cosmetics), by Martín Pelenur, a fanatic of craft and experimentation, is a pictorial adventure that puts plastic as raw material and the very meaning of the gaze into play. Cosmos, the origin of this action’s name, ponders the order of the stars but on the other side, chaos as well, suggesting the infinite and at the same time, the most palpable and ephemeral, contrasting the clean and pristine with the opaque and mysterious. In this project, painting reveals itself as a technique with a thousand variations, bringing gestures, colors, textures and shapes into the world, inscribed in its pure substance.
Text: Iosi Havilio
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p.013
Cohen & Mazzucchelli
La vida en los bosques
01—2024
…Walden es el espejo perfecto para el bosque, engastado con piedras tan preciosas para mis ojos como si fueran en realidad mucho más raras o escasas. No hay nada en la superficie de la tierra tan bello, tan puro y, al mismo tiempo, tan grande como un lago. Agua del cielo. No necesita cercado. Las naciones van y vienen sin enturbiarlo.
Extracto de Walden, o La vida en los bosques. Henry David Thoreau (1854)
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p.013
Cohen & Mazzucchelli
La vida en los bosques
01—2024
…Walden is a perfect forest mirror, set round with stones as precious to my eye as if fewer or rarer. Nothing so fair, so pure, and at the same time so large, as a lake, perchance, lies on the surface of the earth. Sky water. It needs no fence. Nations come and go without defiling it.
Text extract fromWalden, or Life in the Woods. Henry David Thoreau (1854)
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p.012
Pablo Uribe
The Coleridge Collection
12—2023
The Coleridge Collection explora las diversas relaciones y modalidades que hacen a la práctica del arte en su contexto, y es un estudio de los vínculos entre sujetos y objetos, sus historias sean reales o ficticias. Estas puestas en escena, reelaboraciones o montajes buscan invadir el dominio sensible de los espectadores para operar cambios intencionales en su memoria e imaginación. Uribe contribuye a la (re)invención de nuestras identidades y formas de pertenecer a este (su) lugar en el mundo.
Curaduría: Martín Craciun
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p.012
Pablo Uribe
The Coleridge Collection
12—2023
The Coleridge Collection explores the diverse relationships and modalities that comprise art practice in its context, and it is a study of the ties between subjects and objects, whether their stories are real or fictional. These stagings, re-elaborations or montages look to invade viewers’ sensory domain in order to put intentional changes into operation in their memories and imagination. Uribe contributes to (re)inventing our identities and ways of belonging to this (his) place in the world.
Curator: Martín Craciun
Catalogue
Text [PDF] Works / Obras / The Coleridge Collection [PDF] [PDF] Exhibition / Publication [PDF]X
p.011
Florencia Sadir
No es el infinito del mar, sino la profundidad del río
10—2023
El nuevo proyecto de Florencia Sadir toma como punto de partida los significados y la memoria del agua, un recurso permanentemente amenazado por los efectos de la contaminación, la privatización de los territorios indígenas, la voracidad de las industrias extractivas y el cambio climático debido al uso de combustibles fósiles.
Esta exposición es un testimonio de historias afectivas y circunstancias geográficas que se activan para subrayar la fragilidad del ecosistema del agua terrestre. La escasez del agua dulce es un fenómeno natural pero es también consecuencia de la acción humana. Estas obras nos lo recuerdan.
Curaduría: Miguel A. López
Catálogo
Texto [PDF] Obras / No es el infinito del mar, sino la profundidad del río [PDF] Exhibición / Publicación [PDF]X
p.011
Florencia Sadir
No es el infinito del mar, sino la profundidad del río
10—2023
Florencia Sadir’s most recent project takes the meanings and memory of water as its point of departure, as a resource under continual threat from contamination and its effects, the privatization of indigenous territory, the voracity of extractive industries and climate change due to the use of fossil fuels.
This exhibition is a testimony to stories that hinge on emotional ties and geographic circumstances that are activated to underscore the fragility of the earth’s water ecosystem. The scarcity of fresh water is a natural phenomenon, but it is also a consequence of human actions. These works remind us of that.
Curator: Miguel A. López
Catalogue
Text [PDF] Works / No es el infinito del mar, sino la profundidad del río [PDF] Exhibition / Exhibition [PDF]X
p.010
Cabella, Parodi & Torterolo
La forma de las cosas
07—2023
[...] "La Forma de las Cosas", una exhibición de Rafael Cabella (Montevideo, 1932-1992), José Luís Parodi (Montevideo, 1962) y Natalia Torterolo (San José, 1988). La muestra vincula el trabajo de tres artistas uruguayos de distintas generaciones a través de la pintura y su posibilidad de aprehender el mundo... Eludir la idea del buen arte, erudito, trae consigo la libertad para hacer y ser lo que se quiera. Pintar como método para relacionarse con el mundo, sin más que eso. Tal como sostenía Tina Turner “we don't need another hero”.
Curaduría: Martín Craciun
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p.010
Cabella, Parodi & Torterolo
La forma de las cosas
07—2023
[...] "La Forma de las Cosas" [The Shape of Things], an exhibition by —Rafael Cabella (Montevideo, 1932-1992), José Luís Parodi (Montevideo, 1962) y Natalia Torterolo (San José, 1988). The show connects the work of three Uruguayan artists from different generations through painting and its ability to grasp the world... By evading the notion of good, erudite art, they embrace the freedom to do and be whatever they desire. Painting becomes a method of relating to the world, nothing more than that. As Tina Turner famously said, "We don't need another hero."
Curated by Martín Craciun
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p.09
Eduardo Basualdo
Precuela
02—2023
[...] Fundadas en la naturaleza de la representación, las obras de Precuela abrazan poéticas y ensayan ideas sobre cuestiones que emergen y aparecen de forma recurrente. Son formas germinales, en estado de latencia que condensan su potencia narrativa como formas embrionarias. Un mundo de entes y seres conforma una máquina simbólica en funcionamiento en el momento anterior a la formación de un cuerpo. Perseguir la pregunta sea quizás una estrategia pertinente para abrazar este universo.
Curaduría: Martín Craciun
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p.09
Eduardo Basualdo
Precuela
02—2023
[...] Based on the nature of representation, these works embrace poetics and try out ideas regarding questions that emerge and appear repeatedly. They are germinal forms, in a state of latency that condenses their narrative potential as if in an embryonic state. This world of entities and beings makes up a symbolic machinery, in operation at the moment prior to forming a body.
Pursuing a question may well be a pertinent strategy for embracing this universe.
Curated by Martín Craciun
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p.08
Carmelo Arden Quin
Fragmentos de misterio
01—2023
Pinturas de la serie Aléatoires de Arden Quin, 1976.
La obra de Carmelo Arden Quin se alojó alternativamente en las artes visuales y en la literatura. En los años 70, y mientras vivía entre Niza y París, comenzó una serie de pinturas sobre papel, deudora de ambas vertientes, a las que llamó "Aléatoires".
"Me gusta crear cosas muy simples. […] Yo creo mucho en los juegos, que son una especie de espejo de la vida, de la lucha. En la vida, hay ataque y defensa. El juego es un conflicto, con el otro, o con uno mismo". —Carmelo Arden Quin, 1988
Texto: María Cristina Rossi
Catálogo
Texto [PDF] Obras / Fragmentos de misterio [PDF] Catálogo/ Fragmentos de misterio [PDF] Exhibición / Publicación [PDF]X
p.08
Carmelo Arden Quin
Fragmentos de misterio
01—2023
Paintings by Arden Quin from the Aléatoires Series, 1976.
Carmelo Arden Quin’s work alternatively resided in the visual arts and in literature. While living between Nice and Paris during the 1970s, he began a series of paintings on paper that draw upon both areas, which he called "Aléatoires" (Random).
"I like to create very simple things. […] I have a great belief in games, which are somehow a mirror of life, of struggle. In life, there is offense and defense. A game is a conflict, with someone else or with yourself". —Carmelo Arden Quin, 1988
Text: María Cristina Rossi
Catalogue
Text [PDF] Works / Fragmentos de misterio [PDF] Catalogue/ Fragmentos de misterio [PDF] Exhibition / Publication [PDF]X
p.07
Ana López
Lecho marino
12—2022
[...] Para Ana el papel es un amor tóxico, como el barro: la relación parte del rechazo, el daño y la resistencia, es una conquista desde el cariño y desde la posibilidad de que las cosas fallen. Hay una propuesta ficticia de conquista, una ficción por denuncia, pero es otra obra en la que no hay historia posible, no hay fechas precisas, sólo una intención de empezar de nuevo. Algunas lecturas hay que hacerlas desvinculando unas cosas de otras. En la obra de Ana el principio de movimiento parte de la obra y afecta a la artista, por eso es un movimiento que desordena y convierte un cuerpo en un archivo político vivo.
Curaduría: Santiago Villanueva
Poema: Marta Dillon
Catálogo
Texto [PDF] Obras / Lecho marino [PDF] Exhibición / Publicación [PDF] Catálogo / Lecho marino [PDF]X
p.07
Ana López
Lecho marino
12—2022
[...] For Ana, paper is a toxic love, much like clay: the relationship begins with rejection, damage and resistance, and the conquest, through caring and with the possibility that things may fail. There is a fictitious proposal of conquest, a fiction by way of denunciation, but it is another work in which no history is possible; there are no precise dates, just an intention to start over again. Some readings must be done by disconnecting some things from others. In Ana’s work, the principle of movement originates in the work and affects the artist, and this is why the movement generates disorder, converting the body into a living political archive.
Curated by Santiago Villanueva
Poem Marta Dillon
Catalogue
Text [PDF] Works / Lecho marino [PDF] Exhibition / Publication [PDF] Catalogue / Lecho marino [PDF]X
p.06
José Luis Landet
Multitud de estados posibles
10—2022
[...] El proceso de creación del conjunto de obras reunidas en el proyecto "Multitud de estados posibles" posee semejanzas con procedimientos de la producción cartográfica, puesto que ambos son actividades de mapeo de los territorios sobre los cuales artista y cartógrafos se centran. Acciones de investigación que, pese a todo, siempre generan representaciones parciales de esos espacios. Si las obras creadas por José Luis Landet, así como mapas dibujados por especialistas, se confundieran con los territorios que buscan retratar, perderían su función de orientar al otro (el visitante de una muestra, un viajero) en el recorrido de un universo complejo. Se volverían redundantes y, por lo tanto, inútiles. Las representaciones del mundo están siempre –por definición– por debajo de lo que es representado. Producir arte y dibujar cartas geopolíticas implica hacer elecciones, dando destaque a ciertos marcos creados o encontrados mientras se recorre e investiga un determinado espacio. Marcos que, cuando mostrados todos juntos (exhibidos en una muestra o impresos en la forma de mapa), generan conocimiento –necesariamente parcial o subjetivo– sobre territorios específicos, producido desde puntos de vista singulares. Los recortes de banderas, sus relecturas en telar, los bastones, las pinturas y los dibujos que el artista reúne y presenta en el espacio de exhibición son los marcos que inventó para entender y orientarse en el mundo en transformación en el que vive.
Curaduría: Moacir dos Anjos
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p.06
José Luis Landet
Multitud de estados posibles
10—2022
It is argued here that the process of creation for the entire group of works brought together in the Multitud de estados posibles project states bears similarities with cartographic production procedures, in the sense that both are activities of mapping the territories that the artist and mapmakers focus on. However, these are investigative actions that always generate partial representations of these spaces. If the works created by José Luis Landet or the maps elaborated by specialists were to become confused with the territories they seek to portray, they would lose their function as a guide for the other (visitor to an exhibition, traveler) on their journey through a complex universe. They would become redundant and as such, useless. By definition, representations of the world always fall short of what is being represented. To produce art or to draw geopolitical maps implies making decisions, highlighting certain frameworks created or found while traveling through and investigating a determined space. When shown all together, these frameworks (exhibited in an exhibition or printed in the form of a map) generate knowledge—necessarily partial and subjective—about specific territories, produced from unique points of view. The flag fragments, their re-readings by way of the loom, the poles, the paintings and the drawings that the artist brings together and presents in the exhibition space are the frameworks that he has invented in order to comprehend and orient himself in the ever-transforming world in which he lives.
Curated by Moacir dos Anjos
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p.05
Ulises Beisso
Rara Avis
04—2022
SUBTE, en coproducción con Walden Naturae, presenta Rara Avis, una exposición antológica sobre la obra del artista montevideano Ulises Beisso (1958-1996).
La exposición cuenta con más de cien obras que nunca fueron exhibidas en su conjunto y que, en su mayoría, tampoco fueron exhibidas públicamente. Acompañan documentos, ilustraciones, fotografías (organizadas y catalogadas luego de un largo proceso de investigación), y el documental “La intención del Colibrí”, de Sergio De León. La obra de Ulises Beisso, de un carácter personal, autobiográfico y sensible, propone pensar, en términos identitarios, las disidencias y la diversidad en el contexto cultural montevideano de los ochenta y comienzos de los noventa.
Curaduría: Pablo León de la Barra
SUBTE Intendencia de Montevideo
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p.05
Ulises Beisso
Rara Avis
04—2022
SUBTE and Walden Naturae present Rara Avis, an anthology exhibition of works by artist Ulises Beisso (1958-1996), from Montevideo, Uruguay.
This exhibition includes over one hundred works that have never been shown as a group before, where the majority of pieces will be on public display for the first time. Accompanying the exhibition are documents, illustrations and photographs (organized and cataloged following a long process of investigation) in addition to the documentary “La intención del Colibrí” (The Hummingbird’s Intentions) by Sergio De León. Ulises Beisso’s work is of a personal, sensitive and autobiographical nature, and it invites thought regarding the dissidences and diversity present in Montevideo´s cultural context during the eighties and early nineties from a perspective of identity.
Curated by Pablo León de la Barra
SUBTE Intendencia de Montevideo
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p.04
Bado & Delgado
La otra mitad del amor
05—2022
La exposición presenta la obra de dos prolíficos artistas montevideanos articulada en torno a un centro de interés común. La figuración y la representación se colocan en tensión para proponernos pensar el amor en los tiempos que corren. El título actúa como un disparador, para sesgar la mirada y arriesgar conexiones. Un conjunto de obras que capturan la atención y buscan incitar la interacción de los mundos interiores y exteriores, combinando la imaginación con las representaciones sensibles de la realidad mundana. "La otra mitad del amor" hace referencia a las publicaciones "La mitad del amor / La otra mitad del amor", editadas en Uruguay a fines de los años 60, donde un grupo de jóvenes escritores, poetas, críticos y editores con espíritu cosmopolita, –la autodenominada Generación del 45–, ensayaba sobre un tema tan humano como universal. Las obras expuestas están llenas de mimetismo y deseo, procuran establecer desde su materialidad preguntas en un diálogo sensible entre formatos y lenguajes.
No se trata de amor / damos la vida / y me pide y le pido / me vence y lo venzo / y me acaba y lo acabo
Idea Villariño, Poemas de amor
Curaduría: Martín Craciun
X
p.04
Bado & Delgado
La otra mitad del amor
05—2022
The exhibition features two prolific artists from Montevideo, with works articulated in relation to a common interest. Tension between representation and figuration runs throughout this proposition to think of love in current times. The exhibition title—"La otra mitad del amor"—acts as a catalyst, guiding the gaze, risking connections and enabling a shared narrative. The exhibition presents a group of works that capture the eye and look to elicit interaction between the inner realm and the outside world, combining imagination and sensitive representations of mundane reality. Candela Bado shows a selection of ceramic sculptures, while Gonzalo Delgado exhibits his drawings and large format paintings. "La otra mitad del amor" makes reference to a group of publications "Half of Love / The Other Half of Love" [La mitad del amor / La otra mitad del amor] published in Uruguay in the late sixties, when a group of young writers, poets, critics and editors with a cosmopolitan spirit—the self denominated Generation of ‘45—ventured an approach to this theme, as human as it is universal.
The works on display are full of mimicry and desire, where their material aspect effectively manages to raise questions in a simple dialog—of formats and languages—between two contemporary creators.
It isn’t about love / we give life / and he asks me and I ask him / and he conquers me and I conquer him / and he finishes me and I finish him. Idea Villariño, Poemas de amor [Love Poems], 1962
Curated by Martín Craciun
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p.03
Cristina Schiavi
Esplendor de verano
02—2022
¿Puede cualquier cuerpo aparecer?, se pregunta Judith Butler. ¿Atravesar las normas, la corporalidad permitida?
Durante los primeros tiempos del encierro pandémico, la ausencia de otros cuerpos, me obliga a tener registro del mío. Ya no sirven las líneas de fuga, la resistencia a pensarlo.
El cuerpo como instrumento de dolor, pero también de placer.
Habilitada, quizá, por las luchas feministas y sus cuestionamientos acerca del género, la sexualidad y la racialidad, aparece el impulso de visibilizar cuerpos redondeados, blandos, esponjosos, que se expanden en el paisaje. Una figura de resistencia que se permite el agenciamiento del deseo. Cuerpo fofo, territorializado. Mi cuerpo.
X
p.03
Cristina Schiavi
Esplendor de verano
02—2022
Can any body appear, as Judith Butler asks herself? Can the norms of permitted corporality be cut through?
During the early days of pandemic reclusion, the absence of other bodies obliges me to have some register of my own. Following lines to their vanishing point and resisting thought no longer work.
The body as an instrument of pain, but also of pleasure.
Possibly empowered by the struggles of feminism and their questioning of gender, sexuality and race, the impulse arises to give visibility to soft, rounded, spongy bodies that expand in the landscape. A figure of resistance that allows itself the agency of desire. A flabby, territorialized body. My body.
X
p.02
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
01—2022
A partir del encierro provocado por el virus, Guagnini (1966) desarrolló una serie de dibujos de figuras de perfil emitiendo aire. El virus se tematiza así como discurso, como infección, como elemento estético. Las primeras pinturas de esa serie fueron presentadas por Walden en el OVR de Art Basel en el 2020. El artista llevó a gran formato cuatro de esas figuras, tematizadas como las cuatro estaciones, prefigurando sin saberlo el carácter endémico de la pandemia. Las figuras monumentales, porosas, evocan la metafísica de Roberto Aizenberg, quien fuera mentor y amigo de Guagnini; y las llaves de la modernista uruguaya Maria Freire. A partir de una colaboración con el estudio de Alto Liso, en Guadalajara, México, Guagnini convierte sus pinturas en tapices de extrema sofisticación. El estudio trasladó a mediados del siglo veinte técnicas de gobelino Europeo a la realidad del estado de Jalisco, con su tradición indigena de siglos de textiles. Los colores y matices que no se consiguen comercialmente son logrados tiñendo lanas; los tejedores trabajan en el diseño y su interpretación junto con el artista. El resultado son piezas únicas, de un lujo material y potencia visual que conjugan la metabolización de un evento traumático.
La exhibición se completa con dibujos de la misma serie; y alineándose con el interés del artista por las técnicas artesanales, con tres de sus cerámicas, dos de las cuales fueron recientemente exhibidas en el MALBA de Buenos Aires en el marco de la exhibición “Terapia”, que examinó la influencia del psicoanálisis en el arte argentino.
Catálogo
Texto [PDF] Obras / Las cuatro estaciones [PDF] Exhibición / Publicación [PDF]Prensa
Exhibition, Farces and Tirades, 02—2022, Museum of Contemporary Art of RomeX
p.02
Nicolás Guagnini
Las cuatro estaciones
01—2022
In response to the confinement imposed by the virus, Guagnini (1966) developed a series of profile view drawings of figures emitting air. The virus is handled as discourse, as infection and as an aesthetic element. Walden presented the first paintings from this series at Art Basel’s OVR in 2020. The artist expanded four of these figures into large format with the theme of the four seasons, inadvertently foreshadowing the pandemic’s endemic nature. The monumental, porous figures evoke the metaphysical work of Roberto Aisenberg, who was Guagnini’s friend and mentor, in addition to keys in Uruguayan modernist Maria Freire’s work. By means of collaboration with the Alto Liso studio in Guadalajara, Mexico, Guagnini converts his paintings into extremely sophisticated tapestries. The studio brought techniques found in Europe at the Manufacture Royale des Gobelins in France into the mid-twentieth century, and into the reality of the state of Jalisco, with centuries of indigenous tradition in textiles. Commercially unavailable colors and shades are achieved by dying the wool; weavers work jointly with the artist on the design and its interpretation. This results in unique pieces, where lavish materials and visual potency engage to metabolize a traumatic event.
Drawings from the same series round out the exhibition, as do three ceramic pieces, in accordance with the artist’s interest in craft techniques. Two of these pieces were recently exhibited in Buenos Aries at MALBA, in the framework of the “Terapia” (Therapy) show, which examined the influence of psychoanalysis in Argentinean Art.
Catalogue
Text [PDF] Works / Las cuatro estaciones [PDF] Exhibition / Publication [PDF]Press
Exhibition, Farces and Tirades, 02—2022, Museum of Contemporary Art of RomeX
p.01
Marcia Schvartz
Rioplatense
12—2021
La mano se sostiene con una torsión de muñeca, apenas parece afirmarse en uno solo de los dedos. El eje vertical del antebrazo flota, más que apoyarse, en el vigoroso muslo. Las piernas tienen cada una su autonomía, como si batallaran para abrirse a un deseo estimulado por la lujuria del rostro y el rojo de las flores: la nariz potente se hunde en la leve fragancia de esas camelias. La cabeza cubierta por un gorro avisa que es el fin del invierno, cuando algunas camelias florecen. Solitaria en los asientos verdes del colectivo, vestida de negro como una viuda de pueblo, lleva la planta con alegría. Como si una lupa se hubiera detenido en algún detalle de la serie de los colectivos de Aída Carballo. La empatía con la vida popular, entre la certeza de la mirada y el humor que bordea el grotesco desde un exacerbado realismo, también presente en la pareja en el bar ensimismada en sus silencios, entre las piernas y los brazos cruzados de uno y otra, ajenos dentro del ambiente casi irreal. En 1976 la pintura de Marcia Schvartz (1955) asume el color como parte estructural de su figuración, antes transitaba una paleta baja con dominio de los negros que perdura luego en las figuras marginales que se aman sin concesiones. El color es, acaso, la respuesta vital a la destrucción.
[...] Roberto Amigo
Catálogo
Texto / Roberto Amigo [PDF] Obras / Rioplatense [PDF]Prensa
Celina Chatruc, 12—2021, La NaciónX
p.01
Marcia Schvartz
Rioplatense
12—2021
The hand is held with a twist of the wrist, barely sustained, it would seem, by a single finger. The vertical axis of the forearm floats, rather than resting on the vigorous thigh. Each leg has its own autonomy, as if one were fighting against the other to open in response to a desire stimulated by the red of the flowers and the lust in the face: the powerful nose is submerged in the camellias’ light fragrance. The hat covering the head indicates that winter has nearly ended, when some camellias bloom. Dressed in black like a village widow, alone on the green seats of the bus, she carries the plant with joy. It’s as if a loupe had been poised to focus on some detail of Aída Carballo’s series on buses. There is an empathy with the lives of common folk that lies between the certainty of the gaze and humor, based on exacerbated realism and bordering on the grotesque. It is also present in the silence of the couple at the bar, lost in thought, between the crossed arms and legs of one and the other, disconnected within surroundings that are almost unreal. In 1976, Marcia Schvartz’s (1955) painting takes on color as a structural part of its figuration; it had previously moved within a lower intensity palette, dominated by blacks that later persisted in marginal figures who love one another without reservations. Color may be a vital response to destruction.
[...] Roberto Amigo
Catalogue
Text / Roberto Amigo [PDF] Works / Rioplatense [PDF]Press
Celina Chatruc, 12—2021, La NaciónX
Fui a los bosques porque quería vivir deliberadamente; enfrentar solo los hechos de la vida y ver si podía aprender lo que ella tenía que enseñar. Quise vivir profundamente y desechar todo aquello que no fuera vida... Para no darme cuenta, en el momento de morir, que no había vivido ...
—Henry David Thoreau. “Walden; or, Life in the Woods”
walden naturae es un espacio de exhibición, enclavado en Pueblo Garzón (Maldonado – Uruguay). Rodeado de colinas, olivos y vides, cercano al océano, en el Uruguay de adentro. Con un programa anual que combina exhibiciones históricas y contemporáneas en todas las disciplinas y medios, en un espacio propio de 500 metros cuadrados. walden naturae activa y cultiva su entorno único con iniciativas agrícolas, ecológicas y artísticas, creando un contexto idílico.
Walden Naturae
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I went to the woods because I wished to live deliberately, to front only the essential facts of life, and see if I could not learn what it had to teach, and not, when I came to die, discover that I had not lived. I did not wish to live what was not life, living is so dear; nor did I wish to practice resignation, unless it was quite necessary. I wanted to live deep and suck out all the marrow of life ...
—Henry David Thoreau. “Walden; or, Life in the Woods”
walden naturae is an exhibition space set in the enclave of Pueblo Garzón (Maldonado – Uruguay). Close to the sea, it is surrounded by hills, olive groves and vineyards in a more secluded Uruguay. Its annual programming combines historical and contemporary exhibitions in all disciplines and media, in its own 5000 square meter space. walden natura activates and cultivates its unique setting with agricultural, ecological and artistic initiatives, creating an idyllic context.
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